« Tan lejos de Dios, tan cerca de los Estados Unidos »

Alfonso Cuarón, les Aztèques, la Tequila, le Sombrero : le Mexique et ses merveilles ne semblent avoir de secret pour personne. « Pour un bon guacamole, il faut rajouter un shot de tequila dedans : un délice ! » vous expliquera Xavier, designer freelance de 36 ans qui aura passé 2 semaines en Amérique Latine en 2004. Après avoir vu « Amores Perros » d’Alejandro Iñarritu, il vous servira également un de ses monologues dont il a le secret, prétendant avoir compris les aspirations, ambitions et messages du cinéma mexicain. Mais qu’est-ce qu’il y connaît vraiment ? A priori, autant que moi : pas grand-chose !

Guillermo del Toro — Wikipédia — *Guillermo del Toro a ravi les fans de cinéma présents en nombre lors de sa Masterclass*

S’il était nécessaire que je le réalise, la Masterclass donnée dimanche soir par le fantasque réalisateur Guillermo del Toro, organisée par le Festival International de Films de Fribourg et modérée par Frédéric Maire, directeur de la cinémathèque suisse, a remis, en un peu plus d’une heure, l’église au milieu du village. En duplex d’Hollywood, où il termine la postproduction de son dernier film, l’homme derrière la caméra de chefs d’œuvres tels que « La Forme de l’Eau » ou « Le Labyrinthe de Pan » a délivré un cours magistral sur l’histoire si méconnue du cinéma mexicain. Lui et ses congénères, comme Alfonso Cuarón, ont grandi dans un univers de mixité culturel que la mondialisation et la démocratisation de la télévision ont aidé à promouvoir : des dessins-animés japonais, des films de guerre américains, la publicité à outrance ou encore les comics. Ainsi, ces influences multiples se retrouvent au sein de chaque long-métrage comme tout au long de sa filmographie, passant de « Hellboy » à « La Forme de l’Eau », avec un détour par « Pacific Rim ». Ce dernier est d’ailleurs l’exemple parfait de la relation étroite que le cinéma mexicain a toujours entretenue avec Hollywood. Comme son prédécesseur Roberto Gavaldón, Guillermo del Toro a souvent collaboré avec le pays voisin. Comme dit l’adage mexicain, « Tan lejos de Dios, tan cerca de los Estados Unidos » (« Si loin de Dieu, si proche des Etats-Unis »).

« Au Mexique, le mélodrame est toujours très brutal et sauvage » confiait del Toro. Dès lors, ce n’est pas la sensation coup-de-poing de cette année,
« New Order », qui lui donnera tort. Réalisé par Michel Franco et sorti en 2020, le film nous plonge, tout du moins au début, dans les paillettes et faux-semblants de la haute société mexicaine. C’est au cœur d’un mariage huppé que fait irruption la révolution, portée par les victimes de l’inégalité sociale. Pas de demi-mesure, pas de discours larmoyant sur les regrets des aisés lorsqu’un flingue leur est posé sur la tempe, pas d’échanges de bons procédés. Dans ce futur proche et dystopique, Michel Franco ne fait pas de prisonniers. Ou, tout du moins, pas pour longtemps.

New Order - Movie Details, Film Cast, Genre & Rating — *Naian Gonzalez Norvind dans l’uppercut « New Order » de Michel Franco*

Si sa violence peut déranger, elle est néanmoins le reflet sauvage et animal d’une colère totalement humaine. Peut-être que ce qui fait le plus peur, ce n’est pas le bruit des balles ou la brutalité de certaines scènes, mais bien l’écho réaliste qu’il fait résonner en nous, celui qui ne demande ni comment ni où, mais quand. Un style direct et sobre sert merveilleusement le propos, où la violence des mots, des interactions et des postures heurtent autant que n’importe quelle arme à feu. Rien n’est subtil, tout est clair et transparent : nous montrer tout ce qu’on est capable de faire au nom du sacrosaint dollar.

Ce discours, c’est également celui qui transpire du moyen-métrage de Rubén Gámez, « La Fórmula Secreta », réalisé en 1965. Remportant plusieurs prix lors d’un concours de cinéma expérimental cette même année, il ne laisse indubitablement personne indemne. S’il est difficile d’en sortir un véritable fil conducteur (si ce n’est les bouteilles de Coca-Cola qui surgissent en contre-jour à plusieurs reprises), le film aborde, à nouveau sans subtilité mais à l’aide de métaphores, de plans chocs et de musiques judicieusement choisies, la condition sociale mexicaine. Comment traiter d’une telle œuvre lorsque même Alfonso Cuarón déclarait, en 2017, que « si l’on devait résumer le film, ce serait l’histoire d’un patient mourant qui reçoit une transfusion de Coca-Cola » ? Si, je sais : regardez-le !

Noticias: Magueyes y La fórmula secreta, del cineasta ... — *« La Fórmula Secreta » de Ruben Gámez*

Le cinéma mexicain s’est nourri des nombreuses cavalcades de l’Histoire : leur XXe siècle, marqué par un bouleversement radical avec l’époque précédente et qui tantôt effraie, tantôt fascine; le Franquisme, qui a poussé des artistes comme Buñuel à s’expatrier et continuer leur œuvre de l’autre côté de l’Atlantique; la proximité avec Hollywood; l’arrivée des comics, mangas et dessins-animés japonais, etc. Ce sont toutes ces influences, portées par des réalisateurs excentriques et créatifs, qui ont façonné le cinéma mexicain que le FIFF nous a merveilleusement proposé de découvrir cette année. Et vraiment, on ne s’en lasse pas.

David

« Le Roi des Hyènes », ou le roi du silence

En novembre dernier je vous lisais un extrait des Nocturnes de Tess Corsac. Point sur son dernier roman, Le Roi des Hyènes.

Nombreux sont les romans de fictions voués à véhiculer des messages importants ou à aborder des thématiques dures. Certaines sont cependant délicates à restituer. J’aimerais alors parler d’un roman fantastique à suspense qui parvient à livrer un récit authentique malgré la difficulté de sa thématique : Le Roi des Hyènes de Tess Corsac, sorti le 26 mars 2021.

« Je le vois. Ce lambeau de brume, ce nuage trapu qui galope entre les broussailles, tapi dans mes angles morts. Le monstre brouillardeux est revenu. »
Le Roi des Hyène, p. 5.

Tess Corsac déploie son intrigue tout en finesse dans une ambiance troublante. Le protagoniste répond au nom d’Almire, un jeune adolescent de quinze ans qui évolue dans les Confins : quatre villages, ceints d’un mur que personne ne peut franchir avant sa majorité. Les bébés y viennent au monde avec, sur la poitrine, un Machaon, un gardien chargé de les accompagner jusqu’à leur majorité en les protégeant des émotions négatives. Ils protègent aussi les enfants de l’obscurité car ici, les ténèbres sont peu sûres – surtout lorsqu’on a perdu son Machaon. Voilà le secret qui pèse sur Almire, privé de sa protection et maintenant traqué par un monstre de brume au cœur de l’obscurité. Muré dans le silence, incapable de dénoncer celui qui le lui a volé, l’adolescent va découvrir qu’il n’est pas le seul à mener ce combat, à faire face à ses émotions et à avancer sans la précieuse protection de son Machaon. Ensemble, lui et ses allié∙e∙s élaborent un plan pour vaincre le silence et faire tomber leur « cueilleur », celui qu’ils appellent le Roi des Hyènes.
Il est difficile de résumer ce roman sans trop en dévoiler, alors je m’en tiendrai là.

« Avec toute cette lumière, imposible de voir le nébuleux, mais je le sens, sous ma peau. Il est aux aguets, prêt à mordre si mon aveu va trop loin. »
Le Roi des Hyènes, p. 55.

Après avoir lu Les Nocturnes qui recelait déjà une grande force, Le Roi des Hyènes m’a frappée encore plus durement. Classé comme roman jeunesse, celui-ci convient pourtant parfaitement à des lecteurs plus âgé∙e∙s. Si Le Roi des Hyènes vise d’abord à rendre accessible aux plus jeunes des thématiques très dures, celles-ci se dévoilent aussi de manière brute sous le regard avisé des plus vieux. La force de l’autrice réside à la fois dans la réflexion qu’elle suscite, les émotions qu’elle provoque mais surtout, dans les personnages qu’elle dépeint. Tous et toutes attachants, ils présentent chacun∙e une personnalité propre qui s’affirme dans la diversité de leurs attitudes et de leurs choix. Tess Corsac brosse une palette d’émotions tout en nuance sans pour autant que le lecteur sente peser sur lui la morale d’une attitude type à adopter. Les choix s’entremêlent, tout comme les erreurs : pas de prétendue perfection, les adolescents gèrent le silence comme ils peuvent sous le poids du secret.

« J’ai digéré depuis longtemps qu’une tripotée de bobards se cachent sous les Confins. Je m’y suis habitué. Après tout, je verrai bien à ma majorité ce qui se trame derrière la clôture. »
Le Roi des Hyènes, p. 68.

La thématique délicate et inhabituelle au cœur du roman est abordée avec beaucoup de mesure, sans pour autant effacer la cruelle réalité qu’elle représente, ni brandir une solution miracle. On parle d’adolescent∙e∙s à la fois en découverte de soi et en pleine guérison ; on parle de haine, de douleur, d’envie de vengeance aussi et de la difficulté à briser le silence, le tout avec beaucoup de douceur malgré tout, dans un roman à la fois triste et beau. Pas de gommage de la réalité, comme je l’ai dit, la joie et la défaite vont de pair. Le∙la lecteur∙ice se retrouve donc face à des adolescent∙e∙s sensibles mais déterminés, en proie à leurs angoisses, mais pas démunis pour autant, qui trouvent le courage d’avancer dans la force du groupe. La restitution de la thématique est brillamment réussie grâce à l’univers fantastique qu’on découvre avec plaisir et qui évoque des questionnements cruciaux à travers des métaphores bien dosées.

« – Tout ça, murmure Colin, tous ces poisons pour l’âme… ça nourrit la furie. Si tu te laisses dominer par tout ce que ton esprit peut produire de pourri… elle te croque. »
Le Roi des Hyènes, p. 99

Le roman de Tess Corsac est donc pour moi une belle preuve du pouvoir que peut détenir la littérature et s’inscrit avec évidence parmi les œuvres qui savent traiter de thématiques délicates avec sensibilité. Certes les plus jeunes sauront s’y identifier mais ce roman a aussi beaucoup à apprendre aux adultes. L’autrice libère habilement le dialogue : le message fait mouche et Le Roi des Hyènes s’illustre alors comme un roman capable de véhiculer un récit haletant et poignant. Je vous laisse le découvrir.

Tess Corsac : « J’ai choisi ce thème parce que le »silence-poison » est une thématique très peu traitée, surtout pour les jeunes, et que la fiction est un moyen de contourner un tabou qui limite le dialogue à ce niveau. »

Chronique – Les Nocturnes : https://soundcloud.com/unimixfr/unimix-marque-page-les-nocturnes-15112020-amelie?in=unimixfr/sets/marque-page

Réseaux de Tess Corsac :
Instagram : https://www.instagram.com/tesscorsac/
Facebook : https://www.facebook.com/CorsacTess

Bloom

Un espace inclusif et bienveillant dédié à la santé sexuelle ouvrira ses portes d’ici peu à Fribourg.

Pour cette interview, Unimix a reçu Elena, Cyrielle et Jeanne pour aborder la thématique de la santé sexuelle. Cyrielle et Jeanne sont venues nous présenter « Bloom », espace qui proposera des lubrifiants naturels, des livres ou encore des protections menstruelles réutilisables. De son côté, Elena se spécialise dans le travail avec des personnes présentant une déficience intellectuelle et s’intéresse à la sexualité dans les institutions et écoles spécialisées. Ainsi, elles nous ont donné leurs avis sur les différentes thématiques abordées.

« Il est temps de normaliser ce dialogue et que l’on puisse en parler de manière ouverte. Ce genre d’activité comme la vôtre, est en train d’ouvrir la voie pour que tout se passe bien!»
Elena Lüthi

Sur la page Instagram de Bloom, Jeanne étudiante en Sciences sociales, nous explique que le projet lui permet de combiner ce qui lui tient à cœur : le féminisme, l’écologie et la santé sexuelle. Cyrielle, psychologue, raconte à quel point il est essentiel pour elle que tout le monde ait accès aux meilleures informations possibles et que les idées reçues disparaissent. Jeanne n’a pas hésité à recontacter Cyrielle, son amie d’enfance, afin de lui parler de son idée.

Jeanne : « C’est vrai que je cherchais un moyen de me lancer dans le domaine de la santé sexuelle et avec la situation sanitaire actuelle, j’y ai vu une opportunité de créer ce projet. Comme je savais que Cyrielle serait intéressée, je l’ai contactée. Nous en avons ensuite discuté et puis, assez naturellement, le projet s’est mis en place ».

Bloom souhaite dans un premier temps proposer un espace de vente pour des produits écologiques, éthiques et sains. On y trouvera des protections menstruelles réutilisables (lavables et jetables bio), des sex-toys, des préservatifs, des lubrifiants et également des ouvrages abordant la sexualité. Ainsi chacun pourra venir poser des questions afin d’obtenir des alternatives plus durables et saines à ce que l’on peut normalement trouver sur le marché.

Jeanne nous confie : « Ce qui est important dans notre démarche, c’est de proposer des produits éthiques et bio. On a vraiment essayé de trouver des articles qu’on ne trouve pas normalement sur le marché. »

Dans un second temps, Cyrielle et Jeanne planifient d’élargir leur gamme avec des huiles de massage ou encore des tisanes pour les douleurs menstruelles.

Cyrielle : « On s’adaptera à la demande. On mettra l’accent sur ce dont les gens auront le plus besoin »

Et puis à l’avenir cher·e·s lecteur·rice·s, Bloom aimerait proposer des évènements et ateliers, donc n’hésitez pas à participer à leurs futures tables rondes !

Quand on demande à Elena ce qu’elle pense de ce nouvel espace, elle répond : « Je pense que Bloom est un projet vraiment important, surtout dans une société où la santé sexuelle, qui est une partie intégrante de la santé, est vraiment mise de côté. On en parle peu et on a toujours tendance à la limiter aux aspects négatifs, alors qu’en réalité elle comprend, d’après sa définition, un état de bien-être physique mental et social. Cela englobe beaucoup d’autres thématiques dont on ne parle jamais, je pense par exemple à l’identité de genre. Il est temps que l’on puisse en parler de manière ouverte, de normaliser ce dialogue. Ce genre d’activité, comme la vôtre, est en train d’ouvrir la voie pour que tout se passe bien ! »

Si l’on regarde le logo de plus près, on remarque qu’il représente une orchidée. Ce dernier a été imaginé par Régine, graphiste à Berlin. Effectivement, le nom « Bloom » tire son origine de l’anglais et se traduit en français par « floraison » ou par « fleurir ». Ce mot nous renvoie bien évidemment aussi à son cousin allemand » Blume « , ce qui tombe à pic dans une ville bilingue comme Fribourg.

Futurs projets

Les futures associées vont lancer un financement participatif sur les réseaux sociaux, d’ici fin avril à début mai.

Unimix : « Où en êtes-vous aujourd’hui et quelles sont les prochaines étapes ? »

Cyrielle : « Pour l’instant, on va gentiment lancer notre crowdfunding et mettre au point quelques détails. Nous sommes aussi à la recherche d’un local qui nous plait. »

Vous pouvez d’ailleurs retrouver Bloom sur Instagram et sur Facebook où Cyrielle et Jeanne sont actives pour parler de divers sujets tels que l’asexualité, la précarité menstruelle et bien d’autres encore.

Pourquoi parler de santé sexuelle aujourd’hui ?

Le sujet de la santé sexuelle a toujours été très peu mis en avant. Pourtant, cette thématique comprend une réflexion critique bien plus poussée que ce que l’on nous apprend à l’école. Cette dernière devrait être une thématique ouverte, qui laisse place au débat.

Elena qui se spécialise dans le travail avec des personnes présentant une déficience intellectuelle, nous donne son avis sur cette thématique:

« La santé sexuelle est rarement discutée dans le contexte du handicap. Il faut se rendre compte que pour la population générale il est déjà difficile d’en parler, alors obtenir et trier des informations quand on a une déficience, ce n’est pas évident. Finalement, c’est une population qui a beaucoup moins accès aux informations et qui a beaucoup moins d’intimité. Sans oublier que des difficultés physiques rendent aussi les choses plus compliquées. » Un espace ouvert à tous et à toutes, comme « Bloom », sera d’une grande aide pour ceux qui ont plus de difficultés à obtenir de telles informations.

Ainsi, notre discussion nous a mené à la conclusion qu’en Suisse, peu d’espace sont mis en place pour aborder ce sujet librement. Avoir une bonne éducation sexuelle veut donc dire avoir une meilleure connaissance de nos droits, mais également réduire la violence dans les relations et rehausser la confiance en soi. Cette conversation a permis à nos trois invitées de discuter autant de l’aspect santé et éducationnel que de l’aspect psychologique. Pour notre part, on admire les deux jeunes femmes, qui viennent de finir leurs études, et qui se lancent déjà dans un projet personnel autant inspirant !

En attendant l’ouverture de Bloom, cher·e·s lecteur·rice·s, nous vous invitons à aller écouter cette discussion en entier sur notre Sound cloud.

Si vous êtes intéressé·e·s par Bloom on vous invite à aller jeter un coup d’œil à leur page Instagram et Facebook. L’espace sera ouvert à tout le monde, alors qui vous soyez, n’hésitez pas à leur rendre visite et n’oubliez pas le financement participatif que vous retrouverez bientôt sur leurs réseaux sociaux.

Instagram : @bloom_sexualities

Facebook : Bloom

Manon Becker

Etu’Sound ne baisse pas les bras – et nous amène en coulisses

Festival Etu’Sound 2017. Photo par Kevin Piccand.

Si vous aussi, les stands de nourriture en barquette, de bière, les verres consignés, le bruit des foules et de soundcheck avant un concert vous manquent, vous n’êtes de loin pas les seul-e-s à souhaiter pouvoir redevenir festivalier-ère dès que les conditions le permettront et que les festivals feront à nouveau partie de notre vie.

Pour combler notre nostalgie commune, j’ai décidé d’aller à l’encontre de Magdalena, l’ancienne présidente et maintenant vice présidente du festival Etusound, qui anime le campus chaque automne depuis 2005. Je souhaitais parler avec elle de divers sujets concernant ce week-end automnal– notamment de choses qu’on connaît un peu moins en tant que festivalière – l’organisation d’un festival.

La première question pour toi, Magda: A quel point c’était un choix difficile d’annuler l’édition 2020 ?
C’était très difficile et ça nous a pris beaucoup de courage et de temps pour le faire. On a attendu le dernier moment pour vraiment décider définitivement. On avait encore l’espoir pendant l’été qu’une forme de festival serait possible, mais avec l’augmentation des cas covid et des mesures de plus en plus restrictives ce n’était plus envisageable et pas responsable.

Pour toutes les personnes qui rêvent de créer leur propre festival à la fin de cette pandémie : quelles sont les 1es étapes à entreprendre ?
Alors pour créer un festival, je pense qu’il faut avant tout avoir une bonne idée, un concept qui peut plaire à assez de monde, quelque chose d’innovant, qui n’existe pas encore. Ensuite, je pense que c’est essentiel d’avoir une équipe de personnes motivées à s’engager. Et, malheureusement, une base de financement est indispensable pour se lancer dans l’organisation d’un festival.

Quelles sont les plus grandes difficultés de l’organisation festivalière ? L’obstacle premier, c’est le financement alors?
Oui, je pense qu’une des plus grandes difficultés de l’organisation festivalière est d’un côté l’aspect financier. Ça devient de plus en plus difficile de trouver des sponsors. D’un autre côté, le fait d’avoir un comité entièrement bénévole, comme c’est le cas pour l’Etu’Sound Festival, peut aussi rendre l’organisation un plus compliquée. Les personnes ne sont pas toujours disponibles, ont d’autres priorités comme les études et le travail, chaque année des personnes arrêtent
et des nouvelles commencent… Cela a biensur des avantages aussi, mais je pense qu’une difficulté est donc d’avoir une continuité et un suivi de l’organisation. Il faut faire attention à ce que le savoir ne se perde pas d’une année à l’autre.
Ensuite, s’il s’agit d’un festival plein air comme l’EtuSound Festival, le temps peut devenir un grand problème aussi. Il suffit qu’au soir du festival il pleuve, l’évènement entraine des pertes et les efforts pendant l’année sont gaspillés.

Un festival, quelle que soit sa taille, engendre des dépenses considérables. Quelle est une dépense qu’un festival a, à laquelle on ne penserait pas en premier lieu ?

Cela fait 15 ans que le festival existe, il n’y a plus vraiment de dépenses qui apparaissent de nulle part. Si je dois dire une dépense à laquelle on ne pense peut-être pas forcément, je dirais les frais de la part de SUISA. SUISA est la coopérative des auteurs et éditeurs de musique. La facture peut arriver bien après le festival, et à laquelle il faut prévoir un peu d’argent de côté. Mais on s’y attend maintenant, si c’est à la première édition d’un festival qu’il faut surtout faire attention et prévoir les taxes de la SUISA dans le budget.

N’a-t-on pas peur qu’on n’arrive pas à couvrir un tel budget ? Quelles sont les démarches à entreprendre pour s’assurer qu’on puisse garder un festival – surtout gratuit comme Etu’Sound– à flot ?

Biensur qu’on a peur que les entrées d’argent ne couvrent pas les frais
engendrés. Je pense que tout organisateur a cette peur…
Pour s’assurer qu’on puisse garder un festival au niveau financier, il faut d’un côté avoir des sponsors qui soutiennent l’association, idéalement avec un contrat sur plusieurs années.
D’un autre côté, il faut aussi s’assurer que l’offre corresponde à la demande. Il faut donc adapter constamment le concept à la clientèle, essayer d’avoir une clientèle fidèle qui revient chaque année. Car finalement, ce sont les festivaliers et les festivalières qui rapportent la plus grande partie des bénéfices.

Quel est un portrait typique d’un-e-artiste qui vient se produire à Etu’Sound ?

Ca dépend toujours de l’équipe qui est responsable pour la programmation. C’est au final elle qui propose les artistes au comité. Mais en général, c’est un artiste local avec une musique accessible pour un grand nombre de personnes.

Qu’est-ce qu’un groupe/artiste peut faire, s’il nous écoute et s’il souhaite participer à la prochaine édition, par exemple ?

Si un artiste devrait être motivé à se produire à l’Etu’Sound Festival, il peut contacter notre équipe de booking par mail (booking@etusound.ch) ou nous contacter sur facebook ou instagram.

Avant de terminer, est-ce que tu pourrais nous raconter une de tes plus belles anecdotes des coulisses du festival ?

Il y en a tant !
Mais je pense que le plus beau souvenir pour moi était au festival 2019. Pendant la soirée, à un moment donné tout le comité est monté sur le toit de l’école d’ingénierie pour regarder d’en haut la grande scène du festival. C’était émouvant de se donner ces quelques instants de repos pour savourer la vue, voir les fruits de nos efforts, voir que c’était un grand succès et surtout d’y être tous ensemble, le comité réuni.

Pour conclure, qu’est-ce qu’on peut attendre du festival en 2021 ?
C’est encore difficile à dire… Ce sera surement un Etu’Sound Festival sous une autre forme que ces dernières années, mais on reste très optimiste de pouvoir faire quelque chose ! Réservez déjà le 1er octobre en tout cas !

FriScènes 2021 – Roi du Silence

En clôture de cette édition 2021 de FriScènes, s’est tenue le 16 octobre dernier la journée « Hors du placard » consacrée aux thématiques LGBTQIA+. A cette occasion, la compagnie rhodanienne La Gueule Ouverte a présenté « Roi du silence », de et avec Geoffrey Rouge-Carrassat. Amélie Gyger y a assisté pour nous.

Crédit photos : Andreas Eggler pour FriScènes.

Le Roi du Silence, c’est un jeune homme dans la vingtaine, face à l’urne de sa mère, lui annonçant avoir caché son homosexualité pendant quinze ans. C’est l’histoire de quelqu’un qui demande justice, demande le mérite de sa bonne conduite et veut savoir : a-t-il eu raison de se taire ? Terriblement sincère, brut, cru dans les mots lancés à quelqu’un qui ne répondra jamais.

Beaucoup de thématiques puissantes – le besoin de s’illustrer comme un enfant parfait, de se cacher, la peur de ne pas être comme les autres – et surtout un regard précis sur les mots, la puissance des mots qui marquent un enfant, les commentaires « anodins » envers d’autres et qui poussent à se taire. Un rapport très sincère, non seulement envers le texte, mais le corps aussi ; c’est comme ça qu’il aime travailler, explique le comédien, isoler chaque mouvement, chorégraphier.

Un spectacle vif, rythmé tantôt par le silence, tantôt par une voix puissante voire frénétique, le son des couvercles de casseroles et de percussion sur la table, le son du sarcasme, grinçant ; un spectacle bruyant où on crie, on danse, où tous les objets prennent sens. On use la scène jusqu’à la corde, on monte pieds joints sur un fauteuil, on se couche sur et sous la table – et puis cette mère décédée qui prend corps, presque caricaturale, et porte toute la violence des propos qui pèsent sur le personnage.

Il s’agit très littéralement de se mettre à nu, de dire ce qu’on ne dit pas : le désir, les images sous les paupières, la colère, l’amour qu’on nourrit envers quelqu’un d’inaccessible. C’est un spectacle où faire son deuil est synonyme à la fois de douleur et de libération, où les doléances ne seront pas entendues et les réponses ne seront pas rendues. Où il ne saura pas si se taire valait le coup et ne peut qu’imaginer. Un spectacle criant de vérité, humain et décalé, ironique, cru, sans fard, sur ce que c’est de se taire, puis d’enfin crier au monde ce qui nous fait.

Amélie Gyger

FriScènes 2021 – Huis clos

L’enfer, c’est les autres. C’est le principe fondamental de cette pièce de Jean-Paul Sartre (1943), remise au goût du jour par la troupe de théâtre lausannoise Memento. Avec Benjamin Davis et Marek Chojecki à la mise en scène.

Trois âmes damnées, condamnées à passer ensemble l’éternité… (crédit photos : Andreas Eggler pour FriScènes).

Dans « Huis clos », Sartre décrit la rencontre de trois personnages dans un lieu post mortem. Aucun d’eux ne se connaît et aucun ne sait où ils se trouvent. Commencent alors des discussions simples mais qui dérapent très rapidement, entraînant tout un questionnement de fond sur le jugement et l’enfer.

Toute cette thématique très démoniaque est bien mise en valeur par la scénographie et les jeux de lumière. En effet, à certains moments, les personnages sont éclairés par-dessous, leur donnant un air infernal. De plus, les trois fauteuils présents donnent un aspect très mécanique et froid avec leurs longs câbles qui filent droit vers le plafond. Le second élément du décor est composé des trois téléphones portables – un par prisonnier. Cette modernité amenée à la pièce est la bienvenue ; cependant, on peut se demander pourquoi cet élément a été mis au goût du jour alors que d’autres sont restés très ancrés dans les années 1940 (comme les différences marquées entre les classes sociales des personnages et le dédain qui en découle).

Les téléphones portables, en livrant aux prisonniers les images et les sons d’une vie qui se poursuit sans eux, ajoutent à la torture psychologique qu’ils s’infligent mutuellement.

Dans cette pièce, les mentalités des protagonistes évoluent très rapidement, comme leurs relations, ce qui parfois est un peu déroutant. Ainsi, en un peu plus d’une heure, il se passe ce qui se déroulerait en plusieurs jours dans le monde normal ; comme si dans cette sorte d’enfer, tout allait beaucoup plus vite, sans laisser le temps aux personnages de prendre du recul. Ce phénomène permet aussi de faire ressentir une grande quantité d’émotions aux spectateurs en l’espace de très peu de temps, ce qui provoque un sentiment de perte et de surmenage émotionnel qui noie le public dans cet enfer.

La troupe Memento a très bien su faire vivre cette expérience infernale à l’auditoire grâce à un jeu d’acteur fort convaincant et une scénographie qui nous plonge dans une ambiance très suffocante.

Clem Chuat

FriScènes 2021 – Ceux qui partent à l’aventure

Le mercredi 13 octobre dernier a eu lieu la représentation de « Ceux qui partent à l’aventure », une pièce de Noëlle Renaude, interprétée par les Toulousain·e·s de la Compagnie de 9 à 11. Notre chroniqueuse Anaïs Froehlich nous en fait la recension.

Quatre randonneur·euse·x·s qui partent à l’aventure, mais iels auraient pu être 5, 6, 7… (crédit photos : Andreas Eggler pour FriScènes).

« Ceux qui partent à l’aventure » a la particularité de traiter d’un sujet grave, avec toutefois une certaine touche comique. Un groupe de randonneur·euse·x·s en pleine excursion se racontent le terrible destin d’un jeune entrepreneur dont l’entreprise a fait faillite. Après avoir demandé de l’aide à sa famille, sans succès, celui-ci disparaît. Arrive alors une ribambelle de questions : a-t-il simplement disparu ? Si oui, où est-t-il ? Pouvons-nous imaginer le pire : sa mort ? Le déroulement de la pièce nous invite à suivre et à partager les raisonnements et les doutes des personnages, qui semblent eux-mêmes être pris dans ce récit tourbillonnant.

Dès le début de la pièce, le ton est donné concernant l’atmosphère qui règnera tout au long de la représentation. Les personnages échangent au sujet d’un mot croisé, et le public a l’impression qu’il est lui-même sollicité. Une première impression de brouillage des frontières entre les acteur·rice·x·s et le public se met en place.

L’étonnement se poursuit lorsque des dessins prennent forme sur le grand tableau interactif placé sur scène. Une main habile dessine en direct des éléments, ce qui enrichit le décor. L’utilisation de l’écran apporte un aspect sympathique, presque enfantin à la pièce. Alors que les personnages se lancent dans des échanges de paroles rapides et décousues, le spectateur se laisse happer par la projection. Les propos des personnages forment un brouhaha de fond. La rapidité des échanges couplée au changement perpétuel des prénoms des protagonistes engendre aussi une impression d’instabilité et de récit foisonnant. L’humour est bien présent dans la pièce : on ne peut s’empêcher de sourire devant quelques phrases d’humour noir apparaissant sur l’écran et venant ponctuer les scènes.

La pièce présente quelques particularités dans son écriture, qui apportent une certaine déstructuration au spectacle. Noëlle Renaude n’a en effet utilisé ni ponctuation ni guillemet dans l’écriture de sa pièce. Elle n’a pas non plus précisé le nombre de personnages, ni lequel prenait la parole. On ne parvient à reconnaître les personnages – parfois – que par le truchement des dialogues. Nous pouvons imaginer que ces modalités d’écriture permettent aux comédien·ne·x·s de mieux s’approprier le récit, donnant lieu à une mise en scène plus personnelle. Soulignons que les acteur·rice·x·s ont dû apprendre par cœur une longue séquence de pas moins de 250 prénoms. La contrainte est significative au regard des grandes libertés données par ailleurs par le texte, qui ne se trouvent alors pas forcément là où nous les attendons.

Cette pièce s’est avérée être un véritable tourbillon d’énergie. On en ressort certes un peu troublé·e, mais aussi impressionné·e par le foisonnement informationnel, qui passe par les multiples facettes des personnages ou encore par des prises de paroles endiablées.

Anaïs Froehlich

FriScènes 2021 – Madame rêve d’atomiseurs

Il était une fois … une fin ! Habituée du festival, la compagnie jurassienne Vol de Nuit est revenue à FriScènes avec un spectacle d’improvisation haut en couleur. Clem Chuat a assisté pour vous à une chasse au ptérodactyle loufoque racontée à rebours et sortie tout droit de l’imagination débordante des comédiens.

De gauche à droite, Madame Blanche (Sophie Studer), Monsieur Auguste (Marinel Mittempergher), et la Truite (Nicolas Steullet) (crédit photos : Andreas Eggler).

Asseyez-vous confortablement dans vos fauteuils, la compagnie Vol de Nuit est prête pour vous embarquer dans une aventure rocambolesque ! Cette équipe ne se contente pas de présenter une pièce aux spectateurs, mais bien de les faire vivre et participer, avec une création en totale improvisation. Enfin, à quatre détails près, qui restent inchangés à chaque nouvelle prestation : Madame Blanche la professeure (interprétée par Sophie Studer, prix d’interprétation), Monsieur Auguste l’élève dissipé (Marinel Mittempergher), la Truite (Nicolas Steullet) qui fait l’intermédiaire entre le public et les deux protagonistes, et un minuteur de 45 minutes. Ceci est le seul cadre auquel les acteurs s’astreignent avant de se lancer sur scène.

En parlant de la scène, elle est composée d’un cercle central blanc accompagné sur deux côtés d’une penderie et d’un bureau sur lesquels sont posés une grande quantité d’accessoires. Les deux bureaux permettent aux spectateurs d’entrer directement dans le cadre scolaire, mais au fur et à mesure de la pièce, ce décor vole en éclat pour suivre les aventures des acteurs.

Monsieur Auguste repère sur l’horizon une étrange créature …

Cette ambiance est embellie par la présence d’un ingénieur-son et d’une ingénieure-lumière qui se mettent au service de l’intrigue et qui doivent suivre les acteurs dans leurs improvisations farfelues. Ces deux ingénieur·e·s font partie intégrante de l’équipe et ils se plient à la moindre demande des acteurs. Les cinq personnes présentes sur scène créent ainsi ensemble une œuvre unique.

Car chaque représentation est différente. Pour Friscènes, ils sont arrivés avec un concept : commencer par la dernière scène. De là, ils demandent au public des contraintes et des points de départ. Et c’est ainsi que d’une leçon de paddle cruciale pour la note finale de Monsieur Auguste, lui et Madame Blanche partent à la chasse au ptérodactyle sous la houlette de la Truite, qui parsème leurs pérégrinations d’embûches extravagantes avec la complicité du public, pour aboutir à un final – ou plutôt un commencement – comiquement dramatique !

Tantôt maître du jeu, tantôt acteur, les facéties de la Truite planent sur le destin de ses deux acolytes.

Pour ce qui est de l’improvisation, les acteurs s’en donnent à bon cœur. Ils virevoltent sur scène afin de trouver des accessoires qui leur permettent de se déguiser au mieux selon leurs besoins. Et ils n’hésitent pas à faire monter sur scène certains spectateurs si cela peut leur servir.

Si vous désirez les voir s’embarquer dans une nouvelle aventure, ils seront sur la scène du forum St-Georges à Delémont le samedi 11 décembre 2021 à 20h et le dimanche 12 décembre à 17h. Qui sait, peut-être chasseront-ils alors des licornes ?

Clem Chuat

FriScènes 2021 – L’heure bleue

Spécialement créée en vue de leur participation à cette 14è édition de FriScènes, la Compagnie Parhelia rassemble trois étudiantes valaisannes, Jade Riand, Zélie Roduit et Flavie Tapparel. Pour leur première création, elles ont entraîné le public dans un voyage mélancolique et touchant au pays des rêves.

Elles sont trois jeunes filles, puis un comédien, un musicien. Sur scène, un attrape-rêve géant en fond, des tissus vaporeux qui coulent du plafond, et une balançoire, Dominique de son prénom – qui change à chaque répétition comme le confessent les comédiens.

La troupe Parhelia nous présente le monde des songes, un monde sans frontière où les reliefs se façonnent au gré des imaginaires de chacune. L’une se noie à l’infini, poursuivie par des oiseaux en pleine mer ; l’autre voyage de tableau en tableau ; la dernière cherche sa sœur, car si elle est morte dans le monde réel, alors rien ne l’empêchera de la faire vivre dans le monde des rêves.

Le comédien, lui, fait office de maître de maison, orchestre des rêves ou Soleil, on ne sait pas vraiment ; c’est lui qui présente et lie ces trames narratives, emmenant le spectateur à travers le patchwork que forment les destins respectifs des trois filles.

À chacune ses raisons de sombrer dans le rêve, à chacune donc son chemin attitré. Les rencontres se font multiples, et on admire la virtuosité avec laquelle les quatre acteurs changent de costume et endossent la peau de personnages tous très différents. Hauts en couleurs, souvent étranges, énigmatiques, bariolés, ceux-ci finissent pourtant par former une étonnante cohérence.

Seul petit regret personnel : je crois que j’aurais aimé voir ces trois jeunes filles se rencontrer dans le monde des songes, s’apporter du réconfort, une présence bienveillante et voir ce qu’elles auraient à se dire. Mais après tout, la solitude est rarement si douce, et cela fait sens qu’elles poursuivent leurs routes seules. Et puis d’une certaine manière, leurs histoires, bien que distinctes, se font écho et se répondent.

Ecrite et mise en scène par les comédiennes elles-mêmes, portée par une musique envoûtante, L’heure bleue impressionne par la qualité et le niveau de jeu que sont capables d’offrir des jeunes d’une vingtaine d’années à peine. La standing ovation qui leur a été offerte et le Prix du public qui leur a été décerné le prouvent : le public, et moi aussi, avons été conquis.